Hathor

 

Hathor, la più famosa delle dee dell’antico  Egitto,  era conosciuta come “il Grande Uno dai molti nomi” e i titoli e gli attributi  a tale divinità erano numerosissimi tanto che per gli antichi Egizi influenzava ogni ambito della vita e della morte . Si pensa che il suo culto fosse diffuso anche nel periodo Predinastico  poichè  are essere stata rappresentata sulla  tavola di Narmer  Tuttavia, alcuni studiosi suggeriscono che la dea mucca teste raffigurato sulla tavolozza è di fatto Bat (un’antica dea mucca che è stato in gran parte assorbito dalla Hathor) o addirittura Narmer se stesso. Tuttavia, lei era certamente popolare dal Vecchio Unito come appare con Bastet nel tempio a valle di Chefren a Giza . Hathor rappresenta l’Alto Egitto e Bastet rappresenta Basso Egitto .

Lei era in origine una personificazione della Via Lattea, che è stato considerato come il latte che scorreva dalle mammelle di una mucca celeste (che collega lei con dado , Bat e mehetueret). Col passare del tempo ha assorbito gli attributi di molte altre dee, ma è anche più strettamente associata ad Iside , che in qualche misura usurpato la sua posizione come la dea più popolare e potente. Eppure rimase popolare nel corso della storia egiziana. Altri festival religiosi sono stati dedicati a lei e più bambini sono stati nominati dopo il suo rispetto a qualsiasi altro dio o una dea dell’Antico Egitto . Il suo culto non si limitava a Egitto e la Nubia. E ‘stata venerata in tutta l’area semitica Asia occidentale, Etiopia, Somalia e la Libia, ma era particolarmente venerato nella città di Byblos.

Era una dea del cielo, conosciuta come “Signora delle stelle” e “Sovrana delle Stelle” e legata alla Sirius (e quindi le dee Sopedet e Iside ). Il suo compleanno è stato celebrato il giorno in cui Sirius prima è salito in cielo (annuncia l’arrivo dell’inondazione). Nel  periodo tolemaico, era conosciuta come la dea della Hethara, il terzo mese del calendario egiziano.

Come “la Signora del Cielo” è stata associata al dado , Mut e la regina. Mentre come “l’infermiera Celeste”, ha nutrito il faraone sotto le spoglie di una mucca o come un fico platano (perché emana una sostanza bianco latte). Come “la Madre delle Madri” era la dea delle donne, la fertilità, i bambini e il parto. Lei aveva potere su qualsiasi cosa avesse a che fare con le donne di problemi con il concepimento o il parto, per la salute e la bellezza e le questioni di cuore. Tuttavia, non era adorata esclusivamente da donne e, a differenza degli altri dei e dee aveva sacerdoti sia maschi che femmina.

fonte: National geografhic

Hathor era anche la dea della bellezza e mecenate dei cosmetici. La sua tradizionale offerta votiva erano due specchi ed è stata spesso raffigurata su specchi e palette cosmetici. Eppure lei non è stata considerata vana o superficiale, anzi affermava con sicurezza la propria bellezza e bontà e amava le cose belle e buone. Era conosciuta come “l’amante della vita” ed è stata vista come l’incarnazione della gioia, amore, romanticismo, il profumo, la danza, la musica e l’alcol. Hathor era soprattutto collegata con la fragranza di mirra , considerata molto preziosa e incarnava tutte le qualità più fini del sesso femminile. Hathor era associata con il turchese, malachite, oro e rame. Come “la Maestra del Turchese” e la “signora di malachite” era la protettrice dei minatori e la dea della penisola del Sinai (la posizione delle famose miniere). Gli Egizi usavano il trucco degli occhi a base di malachite terra che aveva una funzione protettiva (per combattere le infezioni oculari) che è stato attribuito a Hathor.

Hathor

Era la patrona dei ballerini ed era associata con la musica suonata con le  percussioni, in particolare il sistro (che era anche un feticcio della fertilità). E ‘stata anche associata con la collana Menit (che può anche essere stato uno strumento a percussione) ed è stato spesso conosciuto come “il Grande Menit”. Molti dei suoi sacerdoti erano artigiani, musicisti e ballerini che hanno aggiunto alla qualità della vita degli egiziani e il suo adoravano esprimendo la loro natura artistica. Hathor era l’incarnazione della danza e della sessualità ed è stato dato l’epiteto di “Mano di Dio” (riferendosi al l’atto della masturbazione) e “Madonna della vulva”. Un mito racconta che Ra era diventato così scoraggiato che si rifiutava di parlare con tutti. Hathor (che non ha mai sofferto di depressione o dubbio) iniziò a ballare davanti a lui esponendo le sue parti intime, invogliandolo  a ridere ad alta voce e cosi gli tornò il buon umore.

Come la “signora del’Ovest” e la “signora del sicomoro del sud”, ha protetto ed assistito i morti nel loro viaggio finale. Gli alberi non erano all’ordine del giorno in Egitto, e la loro ombra è stato accolto da i vivi ei morti allo stesso modo. E ‘stata a volte raffigurato come distributrice di  acqua al defunto da un albero di sicomoro (un ruolo precedentemente associato con Amentet che è stata spesso descritta come la figlia di Hathor) e secondo il mito, lei (o Iside) ha utilizzato il latte dal sicomoro, per ridare la vista a Horus che era stato accecato da Set . A causa del suo ruolo nell’aiutare i morti, appare spesso sarcofagi con dado (l’ex sulla parte superiore del coperchio, il più tardi sotto il coperchio).

Ha occasionalmente ha preso la forma di “Sette Hathor”, che sono stati associati con il destino e chiromanzia. Si pensava che le “Sette Hathor” conoscevano la lunghezza di ogni vita del bambino dal giorno in cui è nato e messo in discussione le anime morte mentre viaggiavano verso la terra dei morti. I suoi sacerdoti in grado di leggere la fortuna di un bambino appena nato, e agire come oracoli per spiegare i sogni della gente. La gente  viaggiava per miglia a supplicare la dea per la protezione, l’assistenza e l’ispirazione. Le “Sette Hathor” sono state adorate in sette città: Waset (Tebe), Iunu (On, Heliopolis), Afroditopoli, Sinai, Momemphis, Herakleopolis, e Keset.  Possono essere state collegate alla costellazione delle  Pleiadi.

Tuttavia, era anche una dea della distruzione nel suo ruolo di Occhio di Ra – Il difensore del dio del sole. Secondo la leggenda, la gente ha iniziato a criticare Ra quando ha governato come Faraone. Ra ha deciso di mandare il suo “occhio” contro di loro (sotto forma di Sekhmet ). Ha cominciato a massacrare la gente a centinaia.  Raera essetato di sangue e non ascoltò l’invito di Hathor a fermare lo sterminio. L’unico modo per fermare il massacro fu quello di colorare la birra di rosso in modo che assomigliasse  al sangue e versare il composto sopra i campi di sterminio. Quando Ra bevve la birra, si ubriacò e assonnato dormì per tre giorni. Quando si svegliò con una sbornia non aveva il gusto per la carne umana e l’umanità fu salvato. Ra rinominò la sua Hathor e divenne una dea dell’amore e della felicità. Di conseguenza, i soldati  pregarono d Hathor / Sekhmet per dare loro la sua forza e la concentrazione in battaglia.

Il marito Horus l’anziano è stato associato al faraone, così Hathor è stato associato con la regina. Il suo nome è tradotto come “La Casa di Horus”, che si riferisce sia al cielo (dove Horus ha vissuto come un falco) e alla famiglia reale. Aveva un figlio di nome Ihy (che era un dio della musica e la danza) con Horus-Behdety e tre sono stati adorato a Dendera . Tuttavia, i suoi rapporti familiari sono diventati sempre più confusi col passare del tempo. E ‘stata probabilmente la prima c la moglie di Horus l’anziano e la figlia di Ra, ma quando Ra e Horus erano legati come la divinità composita Re- Horakty è diventata sia la moglie e la figlia di Ra.

Questo ha rafforzato la sua collaborazione con Iside , madre di Horus il bambino da Osiride . In Hermopolis  Thoth era il dio più importante, e Hathor è stata considerata come la moglie e la madre di Re-Horakhty (una divinità composita che si è fusa con Ra Hor-Akhty ).

Hathor, dal Papiro di Ani

Naturalmente, Thoth aveva già una moglie, Seshat (la dea della lettura, la scrittura, l’architettura e l’aritmetica), in modo da Hathor assorbito il suo ruolo tra cui in qualità di testimone nel giudizio dei morti. Il suo ruolo nell’accogliere i morti lei ha guadagnato un ulteriore marito – Nehebkau (il guardiano all’ingresso del mondo sotterraneo). Poi, quando Ra e Amon  si fusero, Hathor fu vista come la moglie di Sobek che è stato considerato come un aspetto della Amen-Ra. Eppure Sobek era anche associato con Seth , il nemico di Horus!

Ha preso la forma di una donna, oca, gatto, leone, malachite, di sicomoro,  fichi, per citarne solo alcuni. Tuttavia, più famosa manifestazione di Hathor è la mucca e anche quando lei appare come una donna che ha o le orecchie di una mucca, o un paio di eleganti corna. Quando è raffigurata  interamente come una mucca, ha sempre    gli occhi dipinti inn modo bellissimo. E’ spesso raffigurata in rosso (il colore della passione) anche se il suo colore sacro è turchese. E ‘anche interessante notare che solo lei e il dio nano Bes (che aveva anche un ruolo durante il parto) sono stati mai rappresentati in verticale (piuttosto che di profilo). Iside prese in prestito molte delle sue funzioni e la sua iconografia  è spesso difficile  essere sicuri quale delle due dee è raffigurata. Tuttavia, le due divinità sono distinte nei racconti mitologici. Iside era per molti versi una divinità più complessa che ha subito la morte del marito e ha dovuto combattere per proteggere il suo bambino, così ha capito le prove e le tribolazioni della gente e potrebbe riguardare loro. Hathor, d’altra parte, era l’incarnazione di potere e successo e non ha esperienza  dei dubbi. Mentre Iside fu misericordiosa, Hathor era risoluta nel perseguimento dei suoi obiettivi. 

Carolina Kostner

Storia del gioiello. Il Rinascimento

Il Rinascimento è un periodo, il termine lo indica eloquentemente, di grande splendore e “rinascita” culturale, sociale ed economica. Il gioiello anche attraverso un momento di grande splendore e il suo uso si diffonde notevolmente. La scoperta dell’America aumentò in modo considerevole la disponibilità di smeraldi. Quasi contemporaneamente Vasco de Gama approdò in India, paese che in breve divenne il maggior fornitore di diamanti.

L’orafo artista

L’arte orafa durante il rinascimento fu considerata alla stessa importanza della scultura e della pittura. Non esisteva la distinzione, a noi consueta, tra arti minori e maggiori era naturale per artisti famosi – come Botticelli o Donatello – dedicarsi all’oreficeria. Sono noti molti nomi di orafi rinascimentali, ma è impossibile attribuire paternità certe agli oggetti. Al concorso per la seconda porta del Battistero di Firenze nel 1401, episodio non secondario nella storia dell’arte poichè considerato il momento di nascita del rinascimento italiano, i principali concorrenti erano orafi e orafo sarà il vincitore Lorenzo Ghiberti.

Il più noto è Benvenuto Cellini (1500-1571) presente alla corte del re di Francia Francesco I e Cristoforo Fossa detto il Caradosso (1452-1527 circa).

Il Cellini ci fornisce puntuali indicazioni sulle varie fasi del lavoro, quando, parlando del Paradosso, descrive il metodo di produzione: creava modelli di bronzo con motivi in rilievo per le medaglie, poi martellava e cesellava sul modello una sfoglia d’oro, infine rimuoveva l’oro al quale faceva subire i vari trattamenti di lucidatura

Durante il cinquecento emerse la figurano del disegnatore di gioielli non necessariamente orafo. Nasce l’artista- disegnatore, creatore di disegni eseguiti da orafi specializzati. L’incisione era la tecnica con la quale erano diffusi i disegni di gioielli in Europa e nei primi anni del Cinquecento tre erano i centri che detenevano il primato nell’elaborazione di modelli: Norimberga, Augusta ed Anversa. Non si conoscono i nomi dei disegnatori e il numero dei gioielli eseguiti, ma con ogni probabilità, erano utilizzati stampi per i gioielli di poco valore.

Gioielli prodotti

I gioielli più apprezzati dell’epoca erano i pendenti che venivano indossati con una catena o fissati al corsetto e alla manica degli abiti. Si producono vari modelli, utilizzando sia pietre incastonate in oro che immagini scolpite in miniatura. Spesso erano formati da lettere con le iniziali dei coniugi.

Durante il Rinascimento si afferma la moda di indossare parure che, di solito, comprendeva collana e cintura abbinate

Nella seconda metà del quattrocento, inoltre, si diffonde un ‘ulteriore novità: i collari aderenti in tela o in metallo che portavano le iniziali di colei che li indossava.

Un gioiello molto utilizzato erano le spille da cappello per uomo (solo gli uomini indossavano cappelli) e, tra queste, il più diffuso era il medaglione d’oro con una scena di mitologia classica o tratta dalla Bibbia. Potevano essere utilizzati allo stesso scopo anche i cammei.

Per quanto riguarda gli anelli permane l’uso di indossarli numerosi contemporaneamente.

Alcuni di essi avevano un vano segreto in cui poteva essere custodita una reliquia o anche un profumo; altri, denominati memento mori contenevano un piccolo scheletro sempre pronto a ricordare la caducità della vita.

La moda rinascimentale impone l’uso degli orecchini, spesso formati da perle di forma allungata o gemme a gocce. La perla attraversa un periodo di grande richiesta: in Francia si credeva che esse migliorassero la carnagione e per tale motivo ricercate dall’aristocrazia. In realtà l’attrattiva delle perle era dovuta anche al loro valore commerciale.

Inizia in questo periodo una novità che trionferà nei secoli successivi: l’assenza della borsa obbligava le donne a portare alcuni oggetti appesi alla cintura e, poiché erano “indossati” dovevano abbellire e divenire veri e propri gioielli. Erano portaprofumi, specchietti, addirittura piccoli libri con splendide rilegature a volte anche smaltate. Esistono ancora esemplari del cinquecento con legature in argento e smalto (uno è conservato al Victoria and Albert Museum di Londra). Tra questi oggetti portati appesi alle cinture vi erano anche piccoli specchietti; alcuni splendidi esemplari che recano sul dorso colte rappresentazioni mitologiche in smalto dipinto sono attualmente custoditi a Parigi nel museo del Louvre, Département des Objets d’Art.

La spilla, invece, che aveva avuto grande fortuna nel trecento, passò di moda anche per le nuove scollature degli abiti femminili.

Motivi e tecniche

L’influenza dell’antichità classica portò all’utilizzo di soggetti classici e mitologici nella gioielleria adatti ad esprimere sentimenti d’amore attraverso la loro simbologia conosciuta e studiata in tutti gli ambienti colti. L’adattamento al classicismo, è necessario rilevare, solo di natura figurativa e non stilistica poichè la gioielleria dell’epoca classica era poco nota. Continuarono ad essere utilizzati i soggetti religiosi.

La smaltatura era la tecnica decorativa preferita e si sviluppò decisamente l’incisione delle gemme. Collezionare gemme antiche divenne una passione generale.

 

Storia del gioiello. Il Medioevo

La produzione orafa medioevale riguarda tutto il periodo che va dall’alto medioevo –’800 al 1200 circa – fino allo stile rinascimentale – dal 1375 al 1490 circa.

In tale periodo lo stile artistico si evolve passando da una produzione tipica bizantina ricca di decorazioni e cromatismi, ad una che riprende lo stile gotico e quindi privilegia forme appuntite e uno stile semplice ed essenziale, per giungere, infine, al periodo rinascimentale durante il quale vi è una ripresa dello stile naturalistico.
Durante il primo periodo, sotto l’influsso dell’arte di Bisanzio, la produzione di gioielli è ricca di decorazioni e cromatismi grazie all’utilizzo di gemme incise, smalti cloisonné, filigrana e minuscoli grani d’oro sulla superficie dei gioielli.
Lo stile gotico, invece, impone ai monili la forma a punta caratteristica di tutti gli edifici religiosi del periodo. Le forme appuntite sostituiscono quelle arrotondate e la semplicità è preferita alla abbondante ornamentazione bizantina. Tecnicamente le pietre sono incastonate su superfici lisce.
Lo stile rinascimentale, infine, privilegerà i particolari naturalistici che verranno proposti nella produzione di gioielli.
Durante tutto il medioevo non vi era diversità tra i gioielli indossati dalle donne e quelli destinati agli uomini

L’orafo artigiano: la sua bottega.
Gli artigiani producevano gioielli, articoli per la casa e arredi sacri. Avevano disponibili vari oggetti di medio valore, per gioielli di particolare importanza, ricevevano anticipatamente commissioni.
L’oreficeria è definita “l’arte dei re” da Etienne Boileau nel testo Livre des métiers in quanto il valore economico dei suoi prodotti è subordinato alla simbologia che i gioielli sono in grado di evocare.
Laboratori di orefici sorgono presso i monasteri e le corti, i committenti dei principali prodotti.

Gioielli prodotti
Coloro che utilizzavano i gioielli erano uomini, donne e bambini. Per questi ultimi erano prodotti monili utilizzando vetri colorati al posto delle gemme.
Gli uomini nobili utilizzavano foderi per spade, speroni, cinture e spille. Le donne spille, collane, orecchini e braccialetti.
Negli ultimi anni del trecento, contemporaneamente alla moda di accentuare le scollature degli abiti, si diffuse l’uso di indossare collane con ciondoli.
Il gioiello più diffuso in questo periodo è la spilla, costituita quasi sempre da un anello con l’ago centrale, aveva la funzione pratica di bloccare i mantelli. Alcune erano cucite direttamente sugli abiti. Altro prodotto orafo, molto utilizzato sia da donne che da uomini, erano le cinte che potevano essere decorate e avere fibbie e borchie d’argento. Le cinte erano utilizzate per portare chiavi, borsellini, paternoster, flaconi per profumi ecc.
Gli anelli erano indossati su tutte le dita della mano, pollice compreso.
Per il fidanzamento e il matrimonio si utilizzava un unico tipo d’anello che durante la cerimonia veniva infilato al terzo dito della mano destra della sposa.
Gli ornamenti per il capo erano molto richiesti: il diadema, le coroncine e le tiare. I diademi erano i gioielli più importanti posseduti dalle ragazze nobili, e l’usanza di indossarli durante la cerimonia matrimoniale era tanto diffusa che le chiese ne avevano sempre uno a disposizione per le spose.
Durante il medioevo grande diffusione ebbe i gioielli religiosi: i reliquari a forma di pendenti, il medaglione agnus dei realizzato in cera ( materiale all’epoca molto costoso) e sul quale era inciso il nome del Papa in carica e l’immagine dell’agnello di Dio, e, soprattutto, i paternoster archetipi degli attuali rosari. Questi ultimi potevano essere di vari materiali, e i più richiesti erano quelli in corallo, ambra, giaietto e cristallo di rocca. I paternoster, nonostante fossero oggetti religiosi, erano diventati veri e propri status-symbol tanto che ne fu regolato l’uso, vietando ai Domenicani e agli Agostiniani i modelli pregiati.
Nel 1380 Carlo V possedeva vari rosari tra cui uno con ciascun grano in smalto e la croce incastonata di pietre preziose e perle.

Significato simbolico del gioiello

Significato pagano: Alle pietre preziose erano attribuite proprietà terapeutiche e spirituali. Marbodio, vescovo di Rennes, scrisse il Liber Lapidum in cui descriveva le proprietà magiche di numerose pietre.
Ai materiali erano attribuiti poteri magici: il “corno dell’unicorno” (animale di fantasia, si trattava del corno del narvalo, una specie di delfino) si cerdeva che fosse capace di individuare i veleni e per la sua rarità era adornato di pietre preziose ed era custodito gelosamente in ogni Wunderkammer del periodo. La malinconia era, invece, curata con i denti di pesci fossilizzati.
I materiali “magici” erano montati in modo da facilitare il contatto con la pelle per meglio diffondere i propri poteri.
Significato religioso : Nei gioielli religiosi il potere di protezione era affidato al tipo di messaggio che portavano e non alla preziosità della pietra utilizzata. Il medaglione dell’Agnus Dei, ad esempio, aveva il potere di cancellare i peccati, proteggere dai pericoli, salvaguardare le donne durante il parto.
Significato sociale: I gioielli non possedevano, però, soltanto poteri magici o religiosi ma indicavano anche l’appartenenza ad una determinata classe sociale; per tale motivo furono emanate le leggi suntuarie che, al fine di non stravolgere la gerarchia sociale, ne regolavano l’uso.
Nel 1363 un decreto di Edoardo III d’Inghilterra vietava ai ceti più umili di indossare monili d’oro e d’argento.

Storia del gioiello

Delineare una sommaria storia del gioiello, visto la peculiarità del mezzo di diffusione, è impresa non facile. Questo perchè qualsiasi sintesi, necessaria per l’incredibile vastità dell’argomento, tradisce inevitabilmente le mille sfaccettature del mondo che ci accingiamo a raccontare.

Nell’arco dei secoli, infatti, il gioiello, nel suo valore, significato e forma si è intrecciato con la storia del costume e della società del proprio tempo subendo radicali e stravolgenti evoluzioni nelle tipologie, nelle simbologie e nel valore. Nel corso dei secoli ha ricoperto di volta in volta, e in alcuni casi anche contemporaneamente, ruoli differenti: simbolo di magia, esibizione di potere, appartenenza ad una determinata classe sociale, valore affettivo, legame con l’aldilà fino a divenire, ai giorni nostri, oggetto di sperimentazioni artistiche che lo collocano di diritto nell’ambito delle realizzazioni scultoree allontanandolo dalla categoria delle cosiddette “arti minori” a cui, di fatto, appartiene.

Ripercorrere la storia dei gioielli ci consente di individuare il ritorno di alcune mode che oggi possono apparire innovative ma che in realtà sono echi di usanze antiche. Mi riferisco all’utilizzo dei gioielli per abbellire l’abbigliamento tanto usato del seicento e settecento e oggi ritornato di moda o alla pratica di utilizzare pietre preziose per decorare le scarpe.

La stessa storia dei gioielli è stata tracciata prevalentemente attraverso documenti d’archivio e testimonianze visive di dipinti e, contrariamente a quanto accade per tutte le altre “arti minori”, solo in parte grazie allo studio diretto dei manufatti. La carenza di gioielli antichi giunti fino a noi è dovuta al fatto che per soddisfare i gusti di un nuovo periodo storico si distruggeva o modificava la produzione del secolo precedente. I pochi gioielli pervenutoci devono la loro conservazione all’eccezionalità della lavorazione o dei materiali impiegati, al valore sentimentale attribuitogli o ad un particolare potere assegnatogli.

I pochi oggetti rimastici appartenevano ai ceti sociali più elevati preservati grazie alla loro preziosità perciò erano tramandati di generazione in generazione. Il “gioiello popolare” non c’è giunto in quantità considerevole e il suo valore prettamente affettivo ne ha reso più disinvolta la distruzione.

Gli oggetti sacri sono, invece, quelli meglio custoditi: la Chiesa ne ha impedito la trasformazione e, inoltre, essendo prevalentemente offerte votive dei fedeli, avevano un valore simbolico affrancato da mode e tendenze.

A questa oggettiva e notevole lacuna ha sopperito sia i documenti d’archivio – leggi suntuarie che consentivano l’uso dei gioielli solo ad alcune classi sociali, testamenti, ecc. – sia soprattutto i dipinti, numerosissimi, ritratti prevalentemente, che ritraevano la nobiltà dell’epoca con i loro gioielli simboli di potere e ricchezza. A queste due fonti bisogna riferirsi per delineare la storia del gioiello.
Per facilità di consultazione si è preferito dividere la storia in periodi nell’ambito dei quali vi è un’ulteriore ripartizione in argomenti: i gioielli prodotti, le tecniche e le materie adoperate, il ruolo dell’orafo nella società, e i motivi preferiti dalla società.

L’obiettivo è quello di fornire un’agevole e interessante escursione nel mondo affascinante del gioiello e non certo esaudire tale argomento la cui vastità è proporzionale agli oggetti prodotti.

Oro: Vivo per lei

Federica Pellegrini